邢大牛

中国美术家协会会员、

国家一级美术师、

中国国画家协会理事、

中国美术家协会（香港）分会理事、

文化部翰墨缘书画研究院艺委会主任、

中国传媒大学、中国人民大学特聘教授、硕士研究生导师；

首都师范大学刘大为（原中国美协主席）写意人物创作工作室教学助理、

传媒大学刘健（原中国美协秘书长）人物写意创作班执行导师、

首都师范大学陈嵘写意人物艺术工作室执行导师、

河北美术学院邢大牛人物画工作室导师、

北京红方美术国展培训创作班导师、

深圳市正地美术馆常务馆长。

2011年作品《民国之父》参加纪念孙中山诞辰145周年台湾展，被台北故宫博物院收藏。

2012年作品《大海的女人》被炎黄美术馆收藏。

2017年作品《走向深蓝》被南昌起义纪念馆收藏。

作品《来了都是深圳人》巨幅作品被深圳正地美术馆收藏。

作品《草原雄鹰》被内蒙匠人美术馆收藏。

多幅作品参加中国美协举办的展览中被承办方收藏。

刘大为评大牛画

纵观邢大牛的绘画作品，可以看出他用笔用墨的沉厚与凝练，造型把握的准确，能够恰如其分地刻画出人物的体貌特征和精神特质，使画面洋溢着一种鲜活的生活异彩。邢大牛在追求画面整体架构与笔墨架构的同时，着意刻画人物的神态，体现笔墨的情趣。尤其是近年来，邢大牛又以游学的心态，走遍了祖国西部和南部少数民族聚集的地方，并对具有民族特色的人物形象、服饰、环境和生活习俗作了详细的考察，创作出一大批有着鲜明个性的作品。这些作品的构图独特新颖，笔墨中透出一种人文情怀，即有鲜明的地域特色，又有强烈的生活气息，给人以耳目一新的艺术感受。另外，也是很重要的一个方面，那就是邢大牛在创作中十分注重对绘画因素的综合运用，以及由此所营造的气场的作用。他善画大画，创作时善从大处落笔，细处着眼。尤其是在构图布阵时，用笔讲究笔笔相递，用墨也重视洒脱有力，从而使用笔的速度、力度、强度灵活运用，用墨则尽最大可能发挥着大写意人物画的自由畅达。这样，在一幅作品中，大笔与小笔、长线与短线、粗线与细线，形成了强烈对比。在对墨的运用上，邢大牛更加恣肆浑厚，酣畅淋漓，通过水的调和，笔的传递，时差的运用，水与墨色的渗化，墨色的叠加，浓淡干湿的映衬.，形成画面上徇丽的墨彩世界。邢大牛这种倾心的艺术探索风格，是其取得艺术成就的重要因素。

刘健评大牛作品

大牛的用笔是富有情感的，因为情感的充沛，那种人物“在场”的“常态感”才能鲜活地被他表现性的水墨语汇所塑造。这种语汇也如他笔下的人物一样，带有一种朴素的质地，在线条的迟缓、粗细变化中和墨色的被擦中呈现出劳动人民的本真之相，也呈现出水墨语言的原生态。毫无疑问，大牛将日常生活中的人物现在社会层面的“常态”以真切的体察方式导入绘画，用“异规”的语言去撞击人们的心灵，以最为明确的态度去介入现实从而保持一种人物的“鲜活感”，这也构成了他水墨人物画关切的精神指向。在这里面，人的存在是坦诚的，也是毫无矫饰的。

郭石夫评大牛画

若论大写意花鸟画的要义，简括地说是两个方面：一是“笔墨”、二是“大”。从字面上看，“笔墨”似乎是技巧问题，但在传统中国画的理念中，笔墨已经远远超出了技法问题的范畴，而更多体现出作者的素养和作品格调、甚至脱离了具体物象描绘而具有抽象意义的笔墨审美价值。写意主张“逸笔草草”、“不求形似”、“妙在似与不似之间”，而这一切审美准则都与笔墨紧密相关。没有笔墨的草草几笔和没有笔墨的似与不似之间，都是很难想象的。换个说法，有了笔墨，草草几笔就耐人寻味，有了笔墨，不似也因神似而胜神似。大牛的大写意花鸟画，能中传统之法而又出现代之新，能宣泄自我胸臆又动观者之情，老辣纵横不失之狂野，酣畅淋漓还有几分朴拙。倘大写意花鸟画的笔墨功夫，大牛应是当代画家最佳者之一。

黄胄先生曾说过：“白石老人80多岁以后怎么画怎么好”，是说白石老人到了晚年已经炉火纯青，法有己出的境界。可见，大写意花鸟画画家需要天分，更需要努力，还需要长时间的磨练。所以，我们在赞邢大牛的成就之后，他还需要保养好身体，将来也做一个长寿者，十年之后，我们再来看邢大牛的画！

大牛说画

“风格即人”。一个画家风格的形成或确立过程即是生命本体的全部，是在修为中一种水到渠成的过程。“风格”决不能故意，否则就会变成一副令人尴尬的“嘴脸”。中国画的“标准”问题很难讲，不同认识就会有不同标准，这与每个画家的文化修养和审美取向有关。无论怎么讲总还是有个大标准的，我个人浅见：在文脉上有秉承，在生活上有情感，在形式上有独创，三个字“真、善、美”。对当下来说“真”是最重要的标准。

我认为“六法”中，“气韵生动”最重要是其核心，是中国画创作的根本。“气韵生动”很难具体说清，大多是一种感觉的认知，就象“春的气息”无法言说一样。简单地说来，“气”者略可释为“生命的动能”（南怀瑾语）；“韵”者，可谓“言有意而意无穷”；或谓“备众善而自韬晦，行于简易闲谈之中，而有深远无穷之味，……测之而意深，究之而益来……”总之“气韵”二字，只可体验，犹如禅机，全凭参悟。和谐自然，流畅舒展是“气韵生动”最直接的体现。说其重要是因为在中国文化的方方面面都有着不可取代的作用。关于“六法”历代画家各有其说，尤其对“气韵生动”的解读和剖析。“气韵生动”我认为，首先应以“气”、“韵”、“生”、“动”这几个字来解读，因为每个字都有其独立的价值与意义，解读其中奥妙还得依托于具体作品。“气韵”必然要“生动”，不生、不动就不可能有气韵，对“气韵生动”的把握全靠画家个人的修为。只有画家达到一定的品格、学养、功夫，“气”会有“韵”，画的气息才能彰显“生命之律动”，从这个角度来思考，气韵是画家长期涵养出来的。所以我觉得“气韵非师，气韵不可学”是有一定道理的。胸襟修为也关系到“气韵”，什么胸次的人画什么样的画，“画即人”，此话不假，早已是真理。

画画是一种“物我交融”之后而又“两忘”的一种精神表达,不是画“东西”和画“标本”。中西融合是一种错误的做法，因为两种文化的对立，中西很难融合与结合,只能吸取、借鉴，只有以中为本，洋为中用，吸取与借鉴才会有意义。所有自作多情的结合都是浅薄与不自信的表现，我从不看好那种不中不西的东西。当下中国画不满足于传统样式，需要有新的突破，这本是件好事，但无论什么时候艺术发展都是有其规律与规则的。艺术从文化精神层面上讲是不存在新与旧的，所谓新与旧也只能在形式上苛求，如果一种新的形式背后将最本质的东西舍去了，那这样的不同有什么意义呢？九方皋相马，只相“其骥十步，一日千里”之马，他并不在黑白与公母上费眼力。古人留下的经典，都是经历了千锤百炼的，是经得起验证的。画史上的经典，就像一座灯塔，是照亮我们前行的航标，“以史为鉴”这四个字的意义太值得我们珍视了。中国画的创新一定要在“品质”上下功夫，不应在“皮毛”上枉费心机。